" Ha dei modelli significativi nel suo bagaglio individuale?

" Io credo che sia la realtà il modello di partenza. Non intendo la realtà fisica ma ciò che essa trasmette in chi la osserva. Credo che l'arte astratta sia quella che più delle altre scenda in profondità: sin da ragazza sono stata attratta da quella cerchia di artisti che fossero in grado di descrivere il mondo servendosi delle proprie passioni e l'arte astratta ha sempre generato in me una profonda ammirazione più di quella figurativa"

" Dunque dipinge da diverso tempo?"

" In realtà sin da ragazza ho avuto la predilezione per il linguaggio creativo anche se è da soli tre anni che mi sono dedicata in maniera diretta e approfondita alla creazione pittorica. Consideri che nel mio percorso didattico e personale ho fatto tutt'altro eppure nonostante la costruzione di una famiglia e le responsabilità lavorative ho trovato il modo per venir fuori e poter dipingere!"

" Ricorda qualcosa nello specifico che le ha dato la spinta per iniziare?"

" Anni fa in compagnia di amici: andai ad un concerto e parlando con loro e fu lì che discorrendo con loro mi balenò nella mente il desiderio di prendere i pennelli, i colori ed una tela e poter esprimere completamente me stessa. Dissi ad un certo punto:" Diventerò un'artista famosa raccontando ciò che sono veramente". Poi il colpo di grazia fu ad un compleanno in cui proprio loro mi regalarono un cavalletto ed il materiale per iniziare! E' stato cruciale per me"

...DOVE SONO... (2025). Tecnica mista su tela

" E da quando dipinge cosa dice a se stessa? Come vede il proprio lavoro: tende a razionalizzare fasi compiute organizzate in cicli o si lascia andare alla pura improvvisazione?"

" La mia pittura corrisponde al mio percorso esistenziale: utilizzo diversi materiali che hanno l'obiettivo di portare luce in coloro che si accingono a contemplare i miei lavori: credo che ognuno di noi svolga il proprio percorso di vita e che dalle esperienze ricevute accumuli zone d'ombra. L'arte, la mia arte ha proprio lo scopo di fermare l'osservatore e farlo soffermare su se stesso. Per rispondere alla sua domanda le aggiungo che più che distinguere cicli della mia produzione ho fasi evolutive del mio percorso: potrei distinguere una fase d'ombra assolutamente meditativa in cui i colori scuri davano una risonanza altamente autoriflessiva; a questa è seguita una fase liberatoria in cui però le ombre incombevano ancora; in un'altra fase ancora il senso della delusione rinviava a simbolismi tenui che però mi hanno spinta oltre verso una fase vitalistica in cui viene fuori la forza e l'energia propulsiva"

" Dunque la costante temporale è preponderante in lei seguendo questo itinerario simbolico?"

" Assolutamente! Ciò che lei chiama simbolismo per me è temporalità di uno stato interiore espresso attraverso l'ausilio dei colori: la Luce rappresenta l'epicentro di questa energia ed i materiali che a volte la offuscavano tendevano a sovrastarla mettendo in risalto le potenti spatolate sino a far filtrare sprazzi argentei così come le tinte rosse della passione. L'Ombra via via è stata irradiata dalla luce ed ora questa forza spicca in tutta la sua bellezza"

Esplosione di vita (2025). Tecnica mista su tela  

" Nel suo percorso personale valuta di essere stata compresa? Mi spiego meglio: attraverso le mostre ha percepito di essere colta dal pubblico?"

" Ho svolto nel corso di questi anni numerose mostre Personali e Collettive e tanta gente, tanti sguardi si sono soffermati sulle mie opere: molte volte credo di aver colpito nel segno e di essere riuscita nel mio intento di condividere col pubblico gli stati interiori che costituiscono il nostro mondo animico. Tanta gente è attaccata alla cose futili ed alla superficialità ma nonostante tutto ho notato connessione, condivisione, introspezione!"

" Sentendola parlare ho come la sensazione che lei crei non tanto opere pittoriche ma specchi: ogni lavoro diviene come una sorta di varco dimensionale entro il quale smarrirsi e ritrovare parti nascoste. Condivide questa visione?"

" Perché no? Credo che una società frenetica come la nostra non trovi il tempo di riflettere perché assorbita dai ruoli e dalle mansioni che la vita stessa richiede. Eppure in ognuno di noi esiste una forza, un'energia, una coscienza capace di guardarsi dentro: per me l'arte è intesa come vettore, punto di partenza per la propria autoguarigione. Tornando a ciò che dicevamo prima le mie opere ricercano la strada verso l'autoanalisi e l'immagine che lei mi suggerisce di specchi che consentono all'osservatore di guardarsi dentro la coglie in pieno"

" E dell'arte attuale cosa ne pensa?"

" Penso che ogni fase storica sperimenti. Ciò che è stato influisce su ciò che è eppure grazie al lavoro continuo di artisti e di sperimentatori qualcosa di interessante venga fuori"

" Dunque si ritrova nel linguaggio contemporaneo?"

" A tratti: in molti casi persino l'arte astratta che io prediligo sembra cadere in un esercizio di stile. Dipende dalle persone e dagli artisti: ci sono coloro che dipingono perché lo sentono e fanno venire fuori il loro mondo, le energie sottili e dialoghino con la sensibilità; altri invece restano su un piano più superficiale magari attratti più dal business e dal marketing che dal senso ultimo delle loro opere!"

" E dei modelli digitali che stanno prendendo gradualmente il sopravvento sul mercato e nel linguaggio artistico cosa ne pensa?"

" Credo che ognuno debba percorrere la propria strada. E' ciò che faccio: sono un'artista creativa e metto in campo i sentimenti, le passioni, le ragioni dell'anima!"

Con queste parole la signora Valentino conclude la sua intervista eppure continuiamo a dialogare raccontandoci delle nostre esperienze di vita e nel mondo dell'arte: eppure a mano a mano che la conversazione prosegue mi sento sempre più libero di venire fuori e raccontare parti del mio vissuto. E' così che mi rendo conto che i portali dimensionali dipinti dall'artista siano una parte della sua natura: non solo nella pittura ma nel suo modo di essere la Valentino riesce a tirar fuori aspetti nelle persone che sembravano sommersi. Ne deduco che la Valentino sia lei stessa un Portale. 

Cocci rotti (2025). Acrilico su tela

Profili Vaganti. Tecnica mista  

 " Credo di sì ma non è l'unica via possibile. Cerco sempre di scavare in profondità pur estrapolando dalla realtà stessa elementi che mi consentano di elaborare gli stati latenti dell'essere umano. Ognuno di noi ha infatti molti aspetti del proprio Sé che rimangono sommersi. Quindi l'istinto che dice lei viene da me sondato e approfondito razionalmente nella mia ricerca stilistica."

"Questo ha a che vedere con quella serie di opere che rievocano le figure umane?"

"In Profili Vaganti il risultato condensato di un'unica figura umana ne è l'esempio portante. A prima vista sembra una sola sagoma ma osservandola attentamente ci accorgiamo che si tratti di una moltitudine di volti che associati tra loro strutturano un unicum poliedrico. Del resto siamo noi tutti l'insieme delle esperienze che viviamo nel corso della nostra esistenza ed ogni volta siamo condizionati dalle scelte che mettono in rilievo un aspetto escludendone altri"

"Dunque potremmo definire la sua un'arte di matrice simbolica in cui i riferimenti materiali in questione sono solo strumenti di una ricerca più profonda. Si ritrova in questa analisi?

"Più che parlare di simboli direi più che si tratti di un concettualismo radicale atto ad esprimere ciò che non è immediatamente percepibile dalle persone a prima vista. Esistono parti sommerse che difficilmente vengono a galla"

Chirurgia plastica. Installazione Illuminata 

"E' lo stesso principio dell'opera intitolata Chirurgia Plastica?"

" In parte sì ma qui il discorso si amplifica: l'opera anche qui è visibile da diverse angolazioni ma in senso fisico dato che può essere letta sia in verticale che in orizzontale. Inoltre ha anche valore sui fondamenti ecologici dato che attualmente stiamo inquinando il nostro pianeta blu. La mia operazione consiste nel ridar vita a ciò che viene scartato"

" Più nello specifico cosa intende esattamente?"

" Intendo dire che come un chirurgo forgio il materiale destinato a inquinare e lo elaboro plasmandolo e ridandogli un'anima sino a generare forme che rievochino uno stato emozionale. In questo modo il recupero di materiali di scarto riprende vita e slancio consentendo alle cose di avere una seconda possibilità di esistenza. Infatti l'opera non si limita ad esistere in sé per sé ma è armonizzata dall'utilizzo di luci che la animano muovendola così nello spazio circostante"

"Sembra di entrare nell'ambito dell'Optical Art in cui è la sperimentazione della luce a prendere il sopravvento dinamizzando i costrutti materici sui quali interviene. E' come se la pittura divenisse scultura e viceversa in un caleidoscopio di stati emozionali fluttuanti. E' questo ciò che desidera esprimere?"

"Sinceramente non valuto di collocarmi in un filone artistico specifico. Ognuno vede nelle mie opere ciò che sente: io al massimo gli creo un meccanismo atto a smuovergli i sentimenti. E' ciò che l'osservatore compie in sé ogni giorno: il passaggio dalla pittura alla scultura che dice lei è la rappresentazione fisica di uno stato interiore materializzato dalla teatralizzazione della materia manipolata grazie all'utilizzo della luce. Questa fluttuazione muove l'opera che dallo stato tridimensionale slitta verso quello bidimensionale e le idee prendono forma, le emozioni vengono in superficie sradicando le certezze e mettendo a nudo ciò che siamo dentro veramente"

" Questo senso di trasposizione metafisica consente dunque all'osservatore attento di compiere uno sforzo intellettuale oltre che di indagine introspettiva. Direi a questo punto che si tratti di un'arte direzionale poiché spinge la logica a smarrirsi in nome di qualcos'altro. E' lo stesso principio che vige nella Collezione Ipotesi e Realtà?"

" Ipotesi e Realtà è una complessa tecnica mista a cui tengo notevolmente: qui forse è una summa di tutte le mie ricerche precedenti spinte un po' più in là. Come può osservare l'articolata struttura di triangoli policromatici forma nella mente una griglia realistica entro cui prende forma un paesaggio ove i profili tornano in auge quasi a determinare un intreccio di significazioni contrastanti. Le certezze della materia svaniscono via via e la realtà viene gradualmente frammentata. La direzionalità che dice lei genera prospettive ideali destinate a evolversi"

IPOTESI e REALTA'. Tecnica mista   

" Sembra un labirinto concettuale entro cui è possibile smarrirsi. Desidera che il fruitore trovi una via d'uscita?"

" Tutto sta in ciò che l'individuo serba in sé. In altre parole chi osserva l'opera contribuirà a dargli vita autonomamente, Forse il labirinto è determinato dalle certezze che contribuiscono a smarrire le persone. Crediamo nelle cose e non accettiamo il cambiamento. Del resto tutto cambia: l'arte è l'espressione attiva di questo mutamento anche se quello che vedo in questo momento nello scenario artistico mi sembra piuttosto statico e ripetitivo"

" Da come si esprime sembra distante dalle mode dell'arte contemporanea. Lei dove si colloca secondo gli stereotipi attuali del Sistema dell'arte?"

"Non mi colloco infatti. Esattamente penso che l'arte contemporanea sia molto superficiale perché legata a stereotipi dettati dall'alto e che gli artisti per essere alla moda siano disposti a tutto pur di compiacere il sistema. In molti casi è solo apparenza in cui per fattori di marketing le idee originali vengano assecondate ed i veri artisti siano di conseguenza marginalizzati. O dentro o fuori e via via si perde l'aspetto sentimentale perché l'arte alla fine di tutto deve risvegliare il sentire anche attraverso tematiche profonde che portino a riflettere"

" Dunque si sente fuori da questo sistema vigente?"

"Come le dicevo prima non mi colloco. Consideri che nella mia carriera artistica abbia fatto tante mostre ed ho ricevuto molti riconoscimenti dal mondo della cultura. In questo senso le ricordo una mia scultura intitolata SVELAT..@..MENTE che è permanente presso il Municipio Roma VII Piazza Cinecittà. L'opera rievoca i detenuti della Shoah e il dolore di quelle persone trattate ingiustamente solo perché una fetta di mondo aveva decretato che non avessero dignità. Sono molto orgogliosa di questo monumento dedicato agli ultimi"

" Anche in quest'opera non manca l'indicatore simbolico dei profili scolpiti sulla sommità dei triangoli sui pilastri. Torna la ricerca dell'identità e del senso di smarrimento che i popoli della storia hanno definito mettendo gli uni contro gli altri. Portando le classi dominanti a discriminare le minoranze, a maltrattare coloro che non erano più considerati umani. Tutto questo traspare dai suoi lavori!"

"Ed io sono lieta di questo: il senso ultimo della mia arte consiste proprio nel ricercare le vie possibili dell'espressione che mettano in rapporto l'esteriorità con il mondo interiore che spesso, soprattutto in un'epoca Social come questa le persone trascurano. Dobbiamo tornare a parlarci, a comunicare, a mettere le persone davanti ad uno specchio e riconoscere ciò che vogliono veramente. La superficialità è dilagante e l'arte ha il sacrosanto compito di sconfiggerla in nome dell'amore. I miei Profili rappresentano i molteplici aspetti di noi tutti e del loro divenire perpetuo"

Le opere sono visionabili presso il TAMARA CONCEPT STORE di ROMA

SVELAT@MENTE opera permanete Municipio Roma VII Piazza Cinecittà

" Penso che sia espressione pura di un'epoca in crisi. La società di oggi corre tantissimo e non ha tempo per le piccole cose: il tempo di una pausa è condizionato dall'utilizzo delle tecnologie e tra lavoro e vita frenetica l'umanità ha smarrito il senso delle cose. Ebbene: l'arte rispecchia il suo tempo e di conseguenza mette in scena le contraddizioni di una corsa al successo, al denaro in cui non c'è spazio per i sentimenti"

"Mi sta dicendo che considera l'arte contemporanea distante da lei?"

"Diciamo che non la senta vicina al mio modo di intendere l'arte in generale"

" E cosa intende per arte in senso stretto?"

"Mettere in campo ciò che siamo veramente: sono i sentimenti, le emozioni, gli stati d'animo a descrivere aspetti che la vita quotidiana appiattisce. Eppure l'arte contemporanea continua a domandarsi cose, a creare astruserie cervellotiche che fanno lavorare la mente e non il cuore. Questa per me non è arte ma un modo come un altro per apparire e mettersi in evidenza. A molte persone interessa la fama ed il mero guadagno senza badare a ciò che provano veramente: l'arte, almeno l'arte vera dovrebbe esprimere questi aspetti e non restare ancora al mondo fisico e commerciale in cui tutto ha un peso ed un prezzo"

" Venendo al punto lei dipinge per estraniarsi da questa realtà materialistica?"

"Più che altro dipingo per descrivere la realtà per come la percepisco. Ognuno di noi svolge un lavoro, compie le proprie mansioni, svolge un determinato ruolo nella vita seguendo le proprie responsabilità. Eppure tutto ciò non deve per forza incidere sull'aspetto emotivo e più intimo di un essere umano. A prescindere da ciò che compiamo siamo esseri viventi e la natura ci rende tutti uguali. L'arte credo sia l'espressione più prossima al vero in quanto mette in campo non solo le abilità tecniche dell'artista ma il proprio modo di sentire e filtrare la realtà!"

" Dunque intende il discorso artistico una ricerca introspettiva?"

" Certamente: credo che ognuno di noi sia qualcosa sin dalla nascita e che la ricerca che deve compiere nel corso della propria esistenza consista proprio nel trovare se stessi. Anche se le società possono deviare questa ricerca alla fine ognuno sia chiamato in causa per comprendere davvero cosa sia davvero. L'arte è lo strumento che consente questa ricerca: dapprima bisogna affinare la tecnica attraverso l'esercizio e col tempo, con il duro lavoro lo stile prende forma ed il modo di esprimersi diviene portante per ogni artista. Non è immediato ripeto, ma col tempo ogni vero artista trova il modo per venire fuori e contribuire a dare uno sguardo personale del mondo. La via credo sia questa e non è assolutamente facile! Molti si scoraggiano o danno la colpa agli altri per i propri insuccessi. Bisogna pazientare e non smettere mai di credere!"

    Eterea Armonia. (2025). Acrilico su tela  

" E lei questa ricerca personale da quando l'ha messa in campo?"

" Praticamente da sempre. Sono autodidatta e da sempre mi ha attratto la realtà: i paesaggi ad esempio li trovo interessanti ma li considero più come elemento di supporto per descrivere la figura umana!"

" Non ha fatto una scuola d'arte?"

" Credo che il processo artistico sia istintivo, naturale e spontaneo. Non credo che serva una scuola d'arte per diventare pittori: sì, ammetto che imparare tecniche e modalità pittoriche arricchisca il bagaglio del pittore ma l'artista è tale sin dalla nascita e con l'esperienza possa raggiungere gli obiettivi a cui ambisce"

" Non crede quindi nel valore istituzionale di accademie o titoli di studio specifici per la pittura?"

" No perché non credo che quello dell'artista possa essere considerato un mestiere come gli altri. Questa è una dote che ognuno di noi può avere o non avere dalla nascita. Parliamo di un processo libero in cui l'individuo raggiunge strumenti che gli consentano di ricercarsi ed una scuola può fornire la tecnica ma non un modo di essere. Se non si ha tale dote non si può fare arte!"

" Eppure osservando i suoi dipinti noto questa accuratezza accademica dei soggetti prettamente femminili in cui la dovizia dei dettagli e l'armonia formale rinvia ad una consapevolezza tecnica profonda. Ha raggiunto questa padronanza col tempo?"

" Assolutamente sì. Come può vedere in Eterea Armonia la figura femminile che suona il suo strumento musicale diviene essa stessa espressione della musica ed allo stesso modo in Lady Elizabeth la figura femminile custodisce un piccolo uccellino che simboleggia questo stato di grazia e leggerezza, quasi come se potesse prendere il volo e librarsi nell'aria!"

" Leggendo il suo curriculum ho visto che lei ha fatto diverse mostre nella sua carriera artistica. Cosa pensa del pubblico e delle gallerie d'arte?"

" Penso che il pubblico contemporaneo sia smarrito: le persone si approcciano alle mostre con difficoltà non solo per l'assenza di cultura o per l'utilitarismo dilagante. Credo invece che sia proprio l'abbondanza di eventi, di richieste, di mostre che strabordano in questo particolare momento abbiano un attimo saziato le esigenze delle persone. Troppa arte da tutte le parti ha assuefatto la curiosità e le gallerie incidono in questa direzione bombardando di email e telefonate gli artisti che prima o poi accetteranno di esporre i propri lavori"

" Dunque afferma che il mercato dell'arte sia preponderante in questo momento storico?"

" Credo che il linguaggio attuale sia fondato esclusivamente nel mercato e che ogni artista, ogni opera pur di essere condivisa decada inavvertitamente in questo meccanismo. L'arte è altra cosa!"

Lady Elizabeth (2025). Acrilico su tela

Quindi la visione esoterica incide sulla sua pittura?:"Incide sulla sfera emozionale. Vede noi siamo energia universale e siamo predeterminati dall'archetipo maschile e femminile: uno è l'elemento freddo, emotivo, lunare, l'altro è di conseguenza caldo, solare, razionale. In ognuno di noi vivono questi aspetti indiscriminatamente e la società mira a sopirli. La mia pittura descrive i piani sottili della materia tentando di scrutare ciò che non è immediatamente percepibile"

Ed ancora domando: Questo processo di ricerca vale anche per l'opera L'Arcana Dea?

"Soprattutto per l'Arcana Dea. L'opera racconta di una mia esperienza personale e di un viaggio che anni fa ho compiuto recandomi a Sainte-Baume in Francia. Esattamente rappresento l'archetipo femminile completamente ignudo dirigersi verso l'antro di una caverna che rievoca proprio la Grotta di Maria Maddalena situata presso Var in Provenza. La figura come vede è dipinta di spalle e regge nella mano sinistra lo scettro mentre in quella destra un'ampolla"

E' un'opera emblematica che personalmente mi attrae notevolmente. Da quanto espresso dovremmo desumere che in quella figura siano nuovamente messi in campo i principi sessuali del maschile e del femminile?

"Assolutamente: la parte destra è in stretta connessione al principio maschile mentre quella sinistra a quello femminile. Allo stesso tempo rievoca la carta dei Tarocchi numero 21 che rappresenta Il Mondo. In essa avviene l'equilibrio e l'armonia degli opposti prima di attraversare l'antro che spinge l'anima sempre più nel proprio Sé "

                                               L'Arcana Dea. Olio su tela (2016)                                           

Deduco dalla serie di opere che abbiamo scelto per questa intervista un forte senso di ricerca simbolica in cui sono i principi ancestrali a prendere il sopravvento e dove il richiamo alla realtà sia solo un punto di partenza per calarsi in dimensioni distanti che fanno parte dell'essere universale. Lei dunque attraverso l'arte cerca un ponte verso l'anima?

"Il discorso è assai più articolato. Vede: credo che la società, soprattutto quella contemporanea sia assoggettata ad una grande Matrix in cui non vi sia spazio per la libertà e per i sogni. L'anima che dice lei è ancora qualcosa di legato al mondo fisico mentre ciò a cui noi dobbiamo aspirare è tornare alla Fonte ovvero allo Spirito universale. Esso non ha tempo, non ha inizio e non ha fine. Tutto ciò che esiste è destinato a ricongiungersi a questa origine cosmica"

La sua pittura è una ricerca più profonda: comprendo che la simbologia così come i riferimenti naturalistici svolgano una funzione molto più articolata di come una persona comune potrebbe coglierli. E se questo tentativo dovesse fallire?

"Lei mi sta dicendo che alcune persone potrebbero non interpretare correttamente ciò che rappresento. E' lo stesso: la via che traccio servendomi di forme, colori, gesti in chiave simbolica sono solo il mezzo per risvegliare in chi vede aspetti che l'anima di chiunque possiede sin dalla nascita. Ora dipende dal grado di sudditanza agli schemi convenzionali e quanto questi incidano sulla coerenza logica del soggetto. La mia pittura ha proprio lo scopo di mettere chiunque a contatto con verità universali e magari riattivare aspetti che erano stati accantonati"

Quella che lei definisce una Matrix non rischia di predominare sull'anima?

"In ogni dimensione ciò avviene sicuramente ma la ragione per cui le anime si incarnano nel mondo materiale sta proprio nel fatto di risvegliarsi e riconoscere la verità. Lo scopo della ricerca è attivare ciò che dormiva. Da qui nasce la mia esigenza di dipingere e di rivelare quanto sembra nascosto "

Secondo lei l'arte contemporanea che rapporto ha con lo spirito?

"Alcuno. Qui e là vedo cose che accennano a questo viaggio oltre il contingente ma si riducono a sperimentazioni vuote: l'arte contemporanea è legata all'apparire, a seguire modelli che vengono dall'alto rimanendo sempre su un piano più basso in cui conta avere seguito, conferme, apprezzamenti. A me interessa ciò che è dentro"

Eppure sul piano fisico la Luna è spesso rappresentata nei suoi dipinti. Ama la notte?

" Sicuramente la notte è fonte di ispirazione perché il silenzio riempie la realtà circostante caricandola di valori: veda il mio dipinto Bianco Fragile del 2014 in cui la Luna è alta nel cielo mentre un vaso di fiori mi consente di esprimere la bellezza del creato in una semplice natura morta che prende vita perché permeata di vita pura"

C'è sempre una profonda armonia nei suoi lavori. Ciò conferma la sua concezione secondo cui tutto sia in connessione al tutto. L'equilibrio diviene forza dominante: anche i disastri del nostro tempo fanno parte di questo equilibrio?

" Soprattutto: ne sono la prova tangibile per mettere a dura prova le anime consapevoli. E allora torno a parlarle del dipinto Il Volto nascosto della Luna: in esso è il blu il colore portante che rappresenta l'acqua oltre che la notte e induce l'osservatore a calarsi nelle aree silenziose del proprio Sé. Quasi un invito a tacere e guardarsi intorno sino a smarrirsi e scrutare ciò che ha dentro. Ognuno comprende il mondo in base a come lo vive dentro"

E lei come lo vive signora Cambrin?

" Ringraziando l'universo ogni giorno e vivendo il tempo come un dono impermanente!"

Bianco Fragile. Olio su tela (2024)

Maria Palma Cantiani

Che si tratti di soggetti ritratti dal vero o da giornali e riviste così come da foto il figurativismo imprime al quadro quel momento fissato nell'attimo: crea contenitori di senso che mirano all'impalcatura formale sino a generare un concentrato stabile sul quale i colori stabiliranno un passo ulteriore. Dunque la forma rappresenta l'opera in sé in cui i valori intrinseci vengono armonizzati dal sapiente uso dei colori atti alla definizione emotiva in cui lo sfumato, la profondità così come le ombre divengono espressione di ricerca e attenzione al dettaglio. Ecco allora l'importanza che l'artista concede a soggetti soprattutto umani concentrandosi sulla ritrattistica così come nel descrivere gli animali che ama tanto ove il paesaggio diventa una sorta di valore aggiunto mediante il quale scendere ulteriormente nella definizione e nel carattere del soggetto centrale; altre volte invece scardina la sua dedizione alla figura umana affrontando direttamente i paesaggi ma trattandoli come se fossero parlanti. E' evidente questo desiderio di dare un'anima alla realtà circostante non tanto sul principio di somiglianza o di aderenza al soggetto rappresentato quanto di coglierne al meglio l'essenza stessa affinché non resti ancorato alla realtà da cui è partito ma ne colga l'atmosfera che l'ha convinta a realizzarlo. Per giungere a questo livello di coinvolgimento spazia dall'uso dei pennelli se non addirittura all'uso delle dita intervenendo direttamente con i colori sul supporto. Dunque dobbiamo immaginarla nel suo studio completamente avvolta dal silenzio mentre dipinge seduta innanzi al cavalletto dedita a far rivivere ciò che ha colpito la sua curiosità. Sul piano lavorativo ogni opera ha diverse fasi di studio che dal disegno elaborato nel tempo spazia a quella successiva in cui l'intervento cromatico elabora le ombre e la serie di particolari che portano al lavoro definitivo. Figlia del suo tempo ha una cultura fondata sull'immagine: la realtà resta il punto focale sul quale concentrare la propria attenzione ricercando quanto più di rispettarne non solo il rinvio alla somiglianza ma a restituirne il senso profondo che quella data immagine ha risvegliato. In questo senso non parliamo di concretezza o di realismo espressivo quanto di metafora che quel dato momento estrapolato dal contingente possa essere rievocato e fissato eternamente. Dunque non è la spazialità a governare nella sua pittura ma una lotta interiore che parte dall'esteriorità per stabilirne il suo perdurare temporalmente: l'arte diviene un anelito all'infinito ovvero un modo per sconfiggere il tempo e fermarlo fissando i suoi animali, le persone così come i paesaggi descritti. A volte il suo spingersi in là verso ciò che non è reale ma nella dinamica astrattiva la incuriosisce sino ad una forma di sfogo cromatico come pratica concreta che abolisce il disegno ritrovandolo poi nelle ampie campiture del gesto. In altre parole evoca generalmente uno stato dell'anima che mi porta a sostenere che nella sua pittura trovi proprio nella realtà la concretizzazione dello spirito.

           Madre e figlia(Speranza)[2023]. Olio su tela            

L'Intervista:

Clara Nicese

Mare (100x50). Olio con polvere di madreperla

Discorrere con la dott.ssa Nicese è sicuramente un arricchimento per chi ascolta data la sua esperienza poliedrica nel mondo delle arti: oltre ad aver studiato presso il Conservatorio di Musica san Pietro a Majella di Napoli si è laureata in Prassi esecutiva e repertorio studiando filosofia e pedagogia all'Università degli Studi Suor Orsola Benincasa dedicandosi esplicitamente alla musica e vincendo una serie di concorsi pianistici all'epoca in cui svolgeva la propria attività concertistica sia come solista che rapportandosi ad altri strumenti. Ha vinto come docente il 6° e 7° edizione del premio Calasanzio, per la creatività del balletto Genesi, il VII Festival nazionale di canto, danze popolari e teatro, il concorso "Scuola, Musica Festival" ed il concorso Giovani Europei per la sezione teatro. A questo come scrittrice nel 2000 ha vinto il premio letterario nazionale Maria Elisabetta Mazza di Bergamo e nel 2006 per il 7° premio letterario Internazionale " Tra le parole e l'infinito" le è stato conferito il premio benemerito Culturale d'Onore per la sezione narrativa sino alla pittura in cui tra mostre personali e collettive ha un curriculum eccezionale di cui accennato solo alcuni dei riconoscimenti ottenuti attraverso il lungo lavoro.

" Cosa pensa dunque delle arti: esiste un ponte tra le diverse discipline?"

" Sicuramente sì: ogni forma di creazione rappresenta un anelito all'infinito di cui l'artista ne è il depositario per eccellenza. In ogni creatore deve essere accesa la fiamma della passione e questa è linfa che scorre in qualsiasi approccio artistico è finalizzato a comunicare l'universo interiore"

" Credo proprio che la musica sia il cuore della sua formazione: questo non la influenza anche nella pittura?"

" Certamente il senso dell'equilibrio, dell'armonia, della composizione sono dati che fanno parte della mia formazione eppure cerco attraverso l'interpretazione di dare alle partiture musicali una sorta di autonomia discorsiva. E sono convinta che questo principio di narrazione faccia parte anche delle altre discipline"

" Dunque parte da una progettualità anche in senso pittorico?"

" La progettualità è essenziale in termini realizzativi: quando vedo un paesaggio, uno scorcio, un'espressione di un volto mi colpisce quel determinato dettaglio da cui parte la necessità di fissarlo: dunque il disegno è essenziale per descriverne l'essenza così come poi l'uso di colori scende nei particolari sino a restituirne l'emozione che provai nell'osservarlo nella realtà"

" Questo ragionamento mi porta a comprendere che in lei il divenire narrativo sia fondamentale per la creazione di un dipinto così come di un'opera letteraria. Trova che l'arte contemporanea sia narrativa nel senso che desideri raccontare qualcosa oppure tenda a discostarsi dal processo discorsivo?"

" Dire qualcosa significa raccontare. Tutto è un racconto perché nello stato delle cose in cui qualunque cosa si trovi dice qualcosa di sé: un paesaggio, un fiore così come un dettaglio costituiscono elementi carichi di significati che l'artista ha il compito di descrivere. Ad esempio un dipinto che rappresenti un tronco d'albero abbandonato sulla riva viene corredato da me da una storia che narra del lungo viaggio che quel tronco ha inavvertitamente fatto per giungere là dove lo vedo e di come da quella carcassa nasca una scultura. Le arti sono collegate a questo vasto serbatoio descrittivo. E per rispondere alla sua domanda dico che in questo tempo specifico della storia gli artisti forse siano troppo presi dall'apparire e che la narrazione alla fine venga sacrificata"

" Pensa dunque che l'arte contemporanea sia decadente?"

" In potenza no ma in atto gli artisti mettono in mostra sé stessi più che i valori della propria creazione. Sono diventati manager ed i sentimenti che rievoco appartengono ad una poetica oramai diventata retrò, fuori moda, fuori dall'immediatezza e da quella rapidità che le nuove tecnologie impongono"

" Valuta una velocizzazione che non dà tempo ai sentimenti di manifestarsi?"

" Valuto che il tempo sospeso della poetica sia stato superato da una velocizzazione dell'informazione e che questo influisca sui tempi sociali e sul rapporto tra le persone: l'arte in generale scorre dalle piattaforme a rassegne con questa velocità e passare da un'opera all'altra, da un testo ad un contesto rapidamente non dia tempo al fruitore di ritrovarsi in ciò che tenta di approcciare. Cambiando gli schemi comportamentali è inevitabile che l'arte ne segua la matrice e la conseguenza è il graduale e progressivo congelamento"

" Dunque concorda con me che l'arte oramai universalmente consacrata all'altare dell'intelligenza abbia smarrito la poetica e sia decaduta in una perenne concettualità espressiva?"

" L'arte è in sé un atto di intelligenza per il fatto di osservare, elaborare e trasmettere attraverso la tecnica codici espressivi universali ma non può finire in questo modo perché se non superasse questi schemi si ridurrebbe ad un esercizio di stile. Ciò che l'artista prova deve essere il motore di ciò che trasmette negli altri e che ognuno filtrerà in base al proprio stato interiore. Senza questo non può essere arte"

" Ciò che dice mi conforta dato il fatto che siamo nell'epoca in cui sono le macchine a generare opere d'arte, ad elaborare composizioni musicali o testi narrativi. L'A.I. prenderà il posto dell'uomo?"

" Non credo sia possibile: per quanto i sistemi digitali siano sofisticati non potranno mai prendere il posto degli uomini perché non essendo in grado di provare sentimenti realizzerebbero delle esecuzioni perfette sotto il piano tecnico ma vuote sotto quello emotivo. Un'arte vuota, senz'anima non è arte"

" Tornando alla sua pittura abbiamo parlato di poetica e dell'importanza di trasmettere mediante la figurazione. Il suo approccio alla pittura come è avvenuto?"

" Spontaneamente. Disegno da quando ero piccola. Pensi che avrei fatto l'Accademia delle belle arti quando ero giovane ma la mia famiglia non era d'accordo. Nonostante questo mi sono cimentata nel mondo della pittura scoprendo da me le tecniche ed affinandole nel tempo. Ma ripeto: la tecnica è essenziale sul piano del risultato finale ma deve essere accompagnata da un'emotività capace di trasmettere e molte volte questo non riesce o scoraggia perché fa sentire l'artista parte di un mondo separato"

" Dunque la sua poetica è fondata su elementi tratti dal reale ma personalizzati ed interpretati secondo un proprio modus operandi. Eppure leggo una velata forma di malinconia nei soggetti che realizza. Cosa stabilisce in lei questo sentimento ricorrente? C'è qualcosa che la sua pittura deve ancora dire?"

" Sicuramente la malinconia è rivolta al senso stesso dell'esistenza: tutto ciò che esiste è destinato a soccombere e le arti hanno proprio lo scopo di trasmettere attraverso il tempo ciò che facciamo qui nella vita ordinaria. Lo scopo dell'immortalità intellettuale è ciò che nutre gli artisti perché il tempo scorre e con esso l'insieme delle abitudini, delle certezze e di quelle mode che passano rapidamente"

Una discussione viva, un confronto dialettico che mi mette nella posizione di apprezzare questa intellettuale artista che wagnerianamente esprime la realtà sotto la lente d'ingrandimento del suo stato interiore in cui la lotta dell'immortalità contro l'effimera esistenza genera questo desiderio di lasciar qualcosa, questa volontà del fare atto a manipolare la materia stessa veicolandola in forme-pensiero in cui la logica realizzativa soccombe alla trasmissione di emozioni. La dott.ssa Nicese è un 'artista alla ricerca del tempo e lo combatte tentando la disperata via di fissarlo anche se con la consapevolezza che nel suo scorrere inesorabile destrutturi tutto ciò che fa parte della realtà. L'arte è l'unico mezzo per trasmigrare nella memoria di coloro che non sono ancora nati.

L'Intervista:

Lorella Lauricella

Conoscere telefonicamente l'artista Lorella Lauricella e suo marito Fabio Zullo è stato per me un tuffo nell'arte piuttosto singolare perché oltre ai soliti discorsi mentre prendevo appunti ho trovato un affiatamento con entrambi seppur diversi: lei che oltre alla pittura lavora nell'elettronica ed esattamente alla campionatura di schede, lui un professore che ha spinto in là la dedizione della moglie nella pittura convincendola ad esporre. Da caratteri piuttosto diversi l'impressione è stata positiva perché l'impatto manageriale del marito è stato, credo fondamentale per la moglie dedita ad interpretare l'arte come nicchia privilegiata, come rifugio dal mondo.

Mentre discorro osservo una serie di lavori che esprimono ordine nella composizione, pulizia formale, equilibrio ed armonia dei colori e le domando: " Cosa rappresenta per l'ordine per lei, dati questi soggetti al centro dello spazio raffigurato? Intende la pittura come specchio dell'anima?"

"Credo di sì: potrebbe essere una precisione dettata dal lavoro che svolgo o parte del mio carattere. Sono una persona ordinata nelle cose che faccio ed il caos tende a disorientarmi. Nella pittura infatti prediligo ciò che fa immergere attraverso il fatto di riconoscere ciò che si vede e non la distanza che l'astrazione può provocare nell'osservatore. Forse è questo senso di smarrimento che non consente all'arte di fruire"

" Dunque immagino che i suoi modelli pittorici nel panorama artistico contemporaneo o tradizionale siano rivolti ad un tipo di espressioni figurative realiste o quantomeno realistiche escludendo gli slanci materici"

" Assolutamente sì. Credo nel senso emozionale di una pittura che trasmetta direttamente ciò che la realtà genera in quel momento. Ad esempio il vissuto di Tamara de Lempicka o di maestri paesaggisti sino ai grandi dell'impressionismo che rappresentavano ciò che vedevano filtrandolo con il loro stile come forma di ciò che sentivano. Altre forme d'espressione le comprendo ma non suscitano in me quell'impatto diretto"

" Allora mi sorge spontanea la domanda che sto per porle: esiste ancora l'arte seguendo i risvolti contemporanei ove l'idea sembra prevaricare sul sentimento e dove l'intelligenza assorbe qualsiasi espressione?"

" Ho la sensazione che l'arte attuale sia troppo dispersiva sia nel modo di essere concepita dagli artisti che molte volte sono più attenti ad esternare ciò che la gente desidera sentirsi dire di ciò che sentono veramente e questo crea ulteriormente una frattura tra l'arte ed il pubblico. Dunque l'arte esiste ma è cambiato il modo di concepirla anche se sono sicura che a parte il predominio del mercato che la condiziona non smetta di generare talenti in ogni epoca"

" Effettivamente molti artisti diventano una sorta di influencer più che operatori formali del linguaggio e ciò che definisce esteriorità è calzante perché girando per mostre e rassegne è da oltre un trentennio che l'intelligenza ha preso il posto dei sentimenti e tutto ciò va sotto il nome di concettualità. Quanto più l'opera sia acuta tanto più diviene efficace e riconoscibile dal sistema chiuso dell'arte. Dunque cosa direbbe ad un giovane che disiderasse entrare a far parte di questo mondo controverso quanto affascinante?"

" Gli direi di guardarsi dentro e vedere ciò che sente veramente: essere sé stesso almeno nella pittura e non imitare necessariamente ciò gli si muove intorno. Comprendo che in molti casi e fortunatamente non in tutti sia il denaro ciò che fa muovere questo sistema e molte volte non è il merito o la capacità dell'artista a premiare ma l'investimento di denari che gira attorno agli spazi deputati alla condivisione dell'arte. Ecco: un giovane lo metterei in guardia su questo aspetto sottolineandogli invece l'importanza di cercarsi dentro"

" Quindi per lei la pittura è una ricerca interiore?"

" Come può vedere dai miei lavori rappresento nelle figure femminili me stessa: quando dipingo le storture così come le ingiustizie del mondo vengono lasciate fuori di me. La pittura diventa lo strumento ideale per ricercarmi dentro, per sognare, per vivere in un angolo di questo universo ove possa ritrovarmi. La natura diventa la grande ispiratrice perché le figure in pose e atteggiamenti diversi sono immerse in paesaggi descrittivi che celebrano l'estasi e la poesia dentro le cose. Da qui sfocia la ricerca della bellezza e di quella gioia che proprio il mondo sembra aver smarrito. Quindi non ha senso per me descrivere l'epoca che stiamo vivendo: basta vivere la vita di tutti i giorni, accendere la televisione o leggere qualunque giornale per comprendere che le cose stiano cambiano negativamente. L'arte ha questo scopo di evasione dal mondo e possibilità di gioire di ciò che abbiamo"

" Dunque l'oggettività realistica che utilizza per esprimere queste concezioni restano assolutamente ancorate ad una forte soggettività emozionale. In questo senso è come se andasse controcorrente all'impatto dei mercati dell'arte che esigono un forte richiamo a temi d'impatto in cui l'intellettualità così come la concettualità che le dicevo sopra sono elementi decisivi per promuovere un artista. Non vede questo nelle mostre che ha fatto?"

" Guardi: io disegno da quando ero bambina addirittura cimentandomi con materali di ogni tipo come il vetro, la pietra sino poi a dipingere direttamente con i colori. Dico questo perché per me il disegno è essenziale per raggiungere il dipinto finito. Il colore quindi è l'elemento che subentra al disegno successivamente e se questa modalità espressiva che mette l'ingegno a disposizione della natura dovesse essere controcorrente perché dettato dal mercato ben venga ma non condiziona ciò che sento"

" Qualcosa in particolare l'ha spinta a trovare la volontà di dipingere?"

" Le sembrerà strano ma nel 2020 la morte della mia amata gattina generò un vuoto che colmai riprendendo i colori e da quel momento ricominciai davvero a disegnare e a dipingere. A me bastava questo poi mio marito colpito dai risultati mi ha spinta verso la condivisione con gli altri sino a fare diverse mostre"

L'artista originaria di Torino così come del marito di Verbania si è trasferita ad Imola ove presso la sua casa-studio lavora con dovizia ed ha esposto in diverse mostre personali e collettive sia in Italia che all'estero: due opere ad esempio sono esposte in permanenza presso il Museo dell'Ombrello e del Parasole-Gignese (VB); un'altra si trova presso il Museo del Cedro a Santa Maria del Cedro in occasione della visita di Vittorio Sgarbi ed in collaborazione con la Art Global di Angiolina Marchese. Ed ancora è storicizzata presso la Biblioteca del Museum of Art di New York con la collaborazione di Napoli Nostra ed è stata premiata presso la Camera dei Deputati, in merito della presentazione del libro Protagonisti del tempo d'arte volume 2 presente presso il Senato della Repubblica. Questi riconoscimenti sono solo una parte del percorso di questa pittrice attuale che consapevole della pochezza modaiola di rassegne che costellano la nostra cultura non si scoraggia perché ha trovato nell'arte un modo per isolarsi dalla realtà ed anteporre il suo stato interiore al frastuono della banalità.

Resto colpito dalla sintonia di questa coppia e tornando qualche ora dopo a sviluppare l'intervista sul mio computer mi appare sul cellulare la fotografia della pietanza che hanno preparato mentre ci stavamo salutando: balanzoni di ricotta e mortadella. E continuo a scrivere mentre deglutisco vistosamente.

Sofia. Acrilico su tela (50x70)

"Dunque esistono differenti modi di concepirla?"

" " Assolutamente sì. Pensi che solo verso la metà del Cinquecento i mercanti olandesi importarono la porcellana cinese in Europa in concomitanza con la diffusione di bevande come il caffè od il tè sino alle pregiate maioliche di Deft esportate in tutto il mondo. Eppure la ceramica nacque ufficialmente a Meissen (Sassonia) il 28 marzo 1709: da quel momento si distinsero le grandi manifatture europee che si contendevano i segreti di lavorazione molte volte in antagonismo tra loro e questo avvenne in Italia, in Francia così come in Inghilterra"

" Dunque per un intenditore di porcellane le differenti provenienze sono distinguibili tra loro?"

" Ne è l'elemento distintivo: consideri che gli europei tentarono inizialmente di imitare i cinesi ma il tutto era determinato dai segreti del mestiere: tipo la produzione di porcellana dura è formata da caolino ed altre sostanze che devono essere cotte ad una specifica temperatura cosa che cambia ad esempio nella preparazione della porcellana tenera che cuoce ad una temperatura inferiore. Procedure che variano ad esempio per ottenere un maggiore o minore bianco. Lo stesso caolino ovvero l'elemento terroso che costituisce la base argillosa della lavorazione differisce da nazione a nazione e questo segna un valore aggiunto di pregio ed unicità"

" Dunque tra tutte queste maestranze manifatturiere europee quale predilige?"

" Le prime produzioni europee erano a pasta tenera poi avvenne l'innovazione dai Meissen. Sicuramente quella di Meissen è quella che ha ispirato tantissimo la mia produzione perché fu una delle prime a creare la porcellana dura proprio con l'aggiunta del caolino che le dicevo prima e fu fondata così nel 1710 la Manifattura Regia Polacca ed Elettorale Sassone la quale via via si distinse dai modelli asiatici prendendo una propria conformazione come ad esempio i decori a rilievo o delle classiche forme a cestino sino poi alla loro diffusione nelle altre nazioni. Però resta focale la loro attenzione all'uso floreale di decori molto minuziosi distinti ad esempio dalla Manifattura di Doccia a Sesto Fiorentino così come quelle di capodimonte a Napoli o Sévres in Francia"

" Come ha iniziato a lavorare in questo mondo?"

" Sin da piccola fui mandata da mio padre che considerato ingegnere tessile operò per i conti di Zegna qui nel biellese a studiare nel Collegio di Besozzo e tra le diverse arti feci danza anche se poi all'età di quindici anni iniziai a lavorare la porcellana bianca (Oro Bianco): ricordo la mia fascinazione verso la progettazione di disegni originali e la preziosità di colori che provenivano da Milano. Ero curiosa di apprendere e di dipingere sulla materia viva sino al corso più recente presso la Richard-Ginori"

" Trova che esista dunque una differnza tra la pittura in senso lato e quella su porcellana'

" Come le dicevo uno conto è dipingere su un a tela sterile un altro è entrare in contatto con un corpo dotato di forma e seguire con assoluta precisione i pieni e i vuoti, le curve ed i contorni di forme a tutto tondo che con il colore prendono vita"

" Dunque avendo un'esperienza decennale in questo settore cosa potrebbe dire alle nuove generazioni che si approssimano all'arte contemporanea?"

" Dico di studiare innanzitutto: l'esercizio stabilisce una conoscenza progressiva, un'esperienza fondamentale per raggiungere l'equilibrio della tecnica a cui solo nel tempo segue quella consapevolezza da cui far emergere un proprio stile. Tornando alle differenze che mi diceva lei l'arte non può limitarsi però alla tecnica altrimenti decadrebbe nell'artigianato: la differenza che la eleva al rango delle arti sta proprio nello stabilire un criterio esecutivo portando la decorazione pittorica a tratto distintivo e inequivocabile. Purtroppo le nuove generazioni hanno fretta di fare perché vogliono raggiungere i propri risultati esercitandosi poco e quello che vediamo in giro ne è la prova esaustiva. L'arte diventa sentimento quando la tecnica fa parte del tessuto emozionale dell'artista e non ci pensa più superando sé stesso così come i codici espressivi. E' fondamentale la curiosità!"

" Ha qualche sogno nel cassetto che non ha mai confidato a nessuno?"

" Sì: data la storia di famiglia ed il rapporto con gli Zegna donai alla loro Fondazione di Trivero una collezione di circa ottantasei pezzi che otterrebbero maggiore valorizzazione se fossero degnamente esposti nel loro palazzo ottenendo visibilità e dando pregio alle arti del nostro territorio. Non avrebbe uno scopo monetario solo ed esclusivamente artistico"